aus FAZ.NET, 3. 3. 2022 Autochrome aus dem Jahr 1910 Heinrich Kühns Miss Mary im blauen Kostüm zu Geschmackssachen
Von
Karlheinz Lüdeking
Das Museum Barberini in Potsdam zeigt bis Anfang Mai eine Ausstellung mit dem Titel „Photographie und Impressionismus“. Dass zwischen diesen beiden eine enge Beziehung bestand, erweist sich schon daran, dass die erste große Ausstellung impressionistischer Malerei 1874 im ehemaligen Pariser Atelier des Fotografen Nadar am Boulevard des Capucines stattfand. Dieser Umstand, der auch im Katalog der Ausstellung mehrmals erwähnt wird, zeugt von einer künstlerischen Wahlverwandtschaft, die für die Moderne höchst folgenreich war.
Die Fotografie war von den beiden die ältere. Seit Niépce zum ersten Mal einen Blick aus dem Dachfenster seines Anwesens in Burgund fixiert hatte, waren fast fünfzig Jahre vergangen, in denen das neue Medium trotz aller Anfeindungen eine glänzende Karriere hingelegt hatte. So wurde sie nicht nur zur Schutzpatronin, sondern auch zur Lehrmeisterin der impressionistischen Malerei. Während die offizielle Salonkunst daran festhielt, „Historien“, die man aus der Lektüre von Büchern kennt, effektvoll ins Bild zu setzen, vertraute der Impressionismus – nomen est omen – allein auf Eindrücke aus der wirklichen Welt. Eine solche Anbindung an die faktische, physische Realität ist auch ein Kennzeichen der Fotografie. Sie heißt „Licht-Schrift“, weil die Lichtstrahlen, die auf die empfindliche Platte im Inneren der „camera“ fallen, eine Verteilung von Grau- oder Brauntönen erzeugen, in denen man eine Projektion der realen Dinge erkennt, die sich bei der Aufnahme vor dem Objektiv befanden. In ähnlicher Weise soll sich ein impressionistisches Bild allein aus den visuellen Eindrücken ergeben, die das Licht auf der Netzhaut des Malers hinterlässt.
Beide Verfahren der Bilderzeugung beruhen also auf dem Wunsch, das Bild in direkter Abhängigkeit vom Abgebildeten hervorzubringen. Ihre Unterschiede erklären sich dann durch die Art und Weise, in der die optischen Impressionen verarbeitet werden. Bei der Fotografie geschieht das durch chemische Reaktionen, in der Malerei muss eine vom Gehirn gesteuerte Hand Markierungen auf der Bildfläche vornehmen.
Das ist so weit hinreichend bekannt und leicht einzusehen. Doch darüber hinaus gibt noch es einen weiteren Unterschied, der nicht so oft bedacht wird. Während sich die Kamera stets nur für die begrenzte Dauer einer bestimmten Belichtungszeit öffnet, ist das Auge fortwährend für neue Eindrücke empfänglich. Das hat zur Folge, dass im Prozess des Malens aus der Überfülle visueller Sinnesdaten aussagekräftige Muster herausgefiltert werden müssen, die eine Kamera gar nicht bemerkt.
Was das bedeutet, wird klarer, wenn man den von Monet gemalten Getreideschober (im zweiten Obergeschoss im Saal mit den Schneebildern) mit dem Foto eines Heuhaufens von Alphonse Taubin vergleicht, das ein Stockwerk tiefer ausgestellt ist. Bei der Aufnahme wird man so nah wie möglich herangehen, um all die unzähligen Details zu erkennen. Ein Maler gibt solche Details in der Regel nicht wieder, weil er sie entweder gar nicht wahrnehmen kann oder weil der Aufwand, jeden einzelnen Grashalm zu malen, viel zu hoch wäre. Deshalb entdeckt man bei der Annäherung an das Gemälde von Monet auch keine Einzelheiten des abgebildeten Objekts. Man sieht im Gegenteil nur Pinselstriche, bei denen immer weniger ersichtlich wird, was sie eigentlich darstellen. Das liegt daran, dass Monet aus dem Rohmaterial der Sinneseindrücke, die beim Malen des Schobers über längere Zeit auf ihn einströmten, signifikante Muster herauslesen musste. Am Ende genügen dann ein paar senkrechte Pinselstriche, um verständlich zu machen, dass man hier einen Haufen trockenen Strohs vor sich hat, und eine einzige orangefarbene Linie reicht aus, um den Stand der Sonne anzuzeigen und deren Strahlen in einer schimmernden Kontur zu verdichten.
Anders als häufig behauptet läuft der Impressionismus also keineswegs auf eine passive Registrierung der sichtbaren Welt hinaus. Er muss sich notgedrungen die Kunstgriffe der Unähnlichkeit zu eigen machen, um sich in der diffusen Masse des Gesehenen zurechtzufinden. Deshalb werden die meisten Gemälde gar nicht vor dem Motiv, sondern erst später im Atelier fertiggestellt.
Bei der Fotografie entstehen ganz andere Unähnlichkeiten. Wenn die Kamera einen einzigen momentanen Zustand fixiert, dann wirkt das manchmal, besonders bei Gesichtern, untypisch und bizarr. Bei langen Belichtungszeiten entstehen Bewegungsunschärfen, und auf die Dauer wird alles, was sich bewegt, einfach zum Verschwinden gebracht. Deshalb haben Seen und Flüsse auf frühen Aufnahmen immer eine vollkommen ebene und spiegelglatte Oberfläche. Derartiges wird man in der impressionistischen Malerei nicht finden. Hier wird immer gezeigt, dass Wasser ständig in Bewegung ist. Diese Bewegung lässt sich nicht direkt abbilden, und deshalb muss man visuelle Chiffren für sie finden, ein paar dicke, dunkle Querstriche, die man faktisch nirgendwo beobachten könnte, die aber die Abfolge der Wellen anschaulich vor Augen führen. Da sich das Problem einer Transformation des Gesehenen hier mit besonderer Schärfe stellt, wurde das Wasser zu einem Lieblingsthema der Impressionisten.
Abzüge aus der Zeit ihrer Entstehung
Neben der Sonderausstellung sind im Museum Barberini glücklicherweise auch die impressionistischen Gemälde aus der Sammlung des Stifters zu sehen. So kann man die Ähnlichkeiten und Unterschiede von Fotografie und Malerei in immer neuen Vergleichen erkunden. Genötigt wird man hierzu jedoch nicht. Die Hängung der Bilder unterstreicht eher gemeinsame Vorlieben für bestimmte Motive: die Felsen am Strand von Étretat, die Bäume in den Wäldern von Fontainebleau, die Flaneure auf den Trottoirs der neuen Pariser Prachtstraßen.
1898 oder früher aufgenommen: Hugo Hennebergs Sonnenuntergang, Gummidruck
Was man an den ausgestellten Werken interessant findet, liegt naturgemäß im Ermessen jeder einzelnen Person. Doch wie auch immer, ein Besuch der Ausstellung ist in jedem Fall sehr zu empfehlen, und zwar schon deshalb, weil die Abzüge mit nur einer Ausnahme allesamt aus der Zeit ihrer Entstehung stammen. Man sieht eine Menge von bemerkenswerten, zum Teil berühmten, zum Teil auch gänzlich unbekannten Bildern, von denen man viele, wie zum Beispiel diejenigen von Gustave Le Grey, mit einem Ausdruck charakterisieren möchte, der sich im Zusammenhang mit dem Impressionismus förmlich aufdrängt, nämlich: eindrucksvoll.
Eine neue Kunst – Photographie und Impressionismus. Museum Barberini, Potsdam; bis 8. Mai. Der Katalog kostet 34 Euro.
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